El pasado lunes 15 de abril tuve el placer de asistir al Concierto Extraordinario n° 3 de la Temporada 2024 del Teatro Colón, el cual giró en torno a la presentación de la soprano surcoreana Hera Hyesang Park en Sala Principal.
Por Luciano Ayala, BlueberryMusica
La velada comenzó con la proyección del film de Mariano Nante, un corte de difusión de uno de los singles de su reciente lanzamiento discográfico, “Breathe”. En este videoclip, Hera Hyesang Park nos invita a detenernos y reflexionar sobre la vida, los seres queridos y nuestras propias fortalezas. La imagen de un teatro abandonado, sumergido en agua, resuena profundamente en nuestra fibra sensible, conectando con la experiencia colectiva de la pandemia y tocando la argentinidad en su esencia (dado los actuales vaivenes presupuestarios para desarrollo cultural).
Mientras que acontecía la proyección, la soprano hizo su gradual ingreso al escenario principal del Teatro Colón, micrófono en mano, para interpretar la pieza contemporánea “While You Live”. Al ver esto, no pude evitar sentir una especie de temor por el desarrollo del concierto, consciente de que el público del Colón es crítico y apasionado. ¿Cómo recibirían la presencia de un micrófono en un teatro con acústica tan singular?
Si bien la pieza compuesta por Luke Howard no es una pieza Classical Crossover, la misma requiere esta instrumentación amplificadora. En ella no se buscó una voz que llene un teatro, sino de crear una intimidad sutil, cautivante y de reflexión.
Mis temores se disiparon al ver que el público no solo aplaudió la primera parte del concierto, sino que celebró todo el repertorio ecléctico interpretado por la soprano surcoreana. No importó si lo que se interpretó era propio de un teatro de ópera o no; lo que resonaba era la autenticidad y la pasión de Hera Hyesang Park.
Generalmente, estamos acostumbrados a que los recitales de cantantes líricos consagrados sigan un repertorio estrictamente operístico o académico. Sin embargo, Hera Hyesang Park desafió esta norma con un concierto que exploró claroscuros y ambivalencias, conectando con la vida humana en toda su complejidad. No solo prestó su voz, sino también su cuerpo, sumergiéndose en un repertorio ecléctico que abarcó desde piezas operísticas hasta experiencias contemporáneas.
La cualidad crossover, a menudo criticada, se convirtió en su aliada. Hera Hyesang Park demostró que la innovación reside en este eclecticismo. Arreglos cuidados de compositores y arreglistas, como Alex Nante, dieron nueva vida a las piezas interpretadas.
Un repertorio intenso y demostrativo
En cuanto al concierto en sí, la primera parte presentó un desafío. Luego de la interpretación de “While you live”, le siguieron dos arias: “L’ora fatal s’appressa; Giusto ciel!” de Rossini y “When I am laid” de Dido and Aeneas (Purcell). Las mismas dieron en la tecla para continuar con el aura introspectiva y solemne del comienzo, acompañadas de una ejecución correcta. Sin embargo, con “las cuatro canciones” de Strauss, la voz de Hera Hyesang Park y la orquesta adquirieron fuerza y notoriedad.
Las cuatro canciones Op. 27 de Richard Strauss crearon un clima sublime, donde se pudo apreciar los matices de la voz de la soprano. Sin embargo, el ambiente casi etéreo logrado con estas piezas de Strauss se vio interrumpido abruptamente por las siguientes tres piezas alegres y vibrantes: “Estrellita” (Manuel Ponce), “Te quiero dijiste” (María Grever) y “Bird Song” (Doo-Nam Cho). Quizás el orden podría haberse invertido, con el fin de poder evidenciar un mayor contraste y para reservar el emotivo “Morgen” para el cierre de la primera parte del concierto. No obstante, este es solo un comentario personal que no fue óbice para el disfrute de esta mitad del evento
La segunda parte del concierto fue sin dudas la más disfrutable y en la que la soprano verdaderamente se embarco en un viaje emocional y demostrativo de su talento. Comenzó con la melancolía del “Vocalize” de André Previn, una pieza contemporánea que fusiona elementos del jazz con la calidad sonora de la música académica. Hera Hyesang Park, desplomada en un asiento, vocalizó con una precisión que dejó al público asombrado (y, a mí, conmovido).
El estreno en Argentina de “Paula Modersohn Becker” de la compositora Cecilia Livingstone fue un punto de conexión entre música contemporánea, teatro musical y ópera. La pieza, reminiscente de las composiciones de Thomas Adès o Carlisle Floyd, se interpretó con una dicción cristalina y una emotividad palpable.
Sin embargo, el momento más desgarrador llegó con “Gasiri” de Hyi-Won Woo. No hay palabras para describir la profundidad de este sentimiento de desazón y desgracia, que solo una persona conectada con la cultura asiática puede expresar con tanta precisión. Hera Hyesang Park tuvo al Teatro Colón en sus ojos, reflejando la intensidad de esta pieza.
Ya para el cierre de concierto, la artista vuelve a las raíces tradicionales, ofreciendo una comedida Norma y una correcta interpretación de “Casta Diva”, para luego demostrar una intensa Desdemona encarnada en la escena del “Ave Maria”, de la ópera “Otello”.
Un recuerdo sobre los Bises
Para hablar de los bises, he de tomarme el atrevimiento de recordar e informar, por si no lo sabían, que la soprano surcoreana tiene una relación bastante cercana con Argentina. Su debut fue en el CCK, en el marco de un recital de arias y canciones que contó con la participación de Marcelo Ayub en el piano (quien en esta oportunidad estuvo encabezando, con sumo profesionalismo, a la Asociación de Profesores de la Orquesta Estable del Teatro Colón). Incluso en ese momento, cuando Hera aún no había lanzado su debut discográfico por medio de Deutsche Grammophon Records, se le auguraba un grandioso camino de crecimiento artístico.
En aquel recital debut, en el Auditorio Nacional, ella supo ofrecernos una improvisada versión de “El día que me quieras”, el famoso tango argentino de Carlos Gardel. El lunes pasado, en la Sala Principal del Teatro Colón, la cantante demostró un conocimiento más acabado de la canción y supo entonar, con precisión y sentimiento, esta pieza tan emblemática de la cultura argentina.
Ello no es más que una de las tantas evidencias que demuestran la conexión de esta artista con un público argentino que ha sido más que receptivo de su talento, al punto de ovacionarla cada vez que se ha presentado ante él.
La artista ofreció –en total– tres piezas a modo de encore: la ya mencionada “El día que me quieras”, un “Ave Maria” con música de la “Méditation” de la ópera “Thaïs” y la alegre “I Could Have Danced All Night” de la obra “My Fair Lady”.
Salirse de lo esperado sale bien
Este concierto demostró que el Teatro Colón está dispuesto a explorar nuevos territorios. No solo desafió a los amantes de lo estrictamente clásico, sino que también ofreció una velada ecléctica y exquisita. Desde el Vocalize de Previn hasta el Ave María de Verdi, la soprano mostró versatilidad vocal y habilidades actorales notables.
Podemos concluir que Hera Hyesang Park no solo representa una voz en ascenso al podio de estrellas gloriosas de la lírica, sino también una artista que logra conectar con cada pieza y que supo ofrecer un concierto que demostró, en igual cantidad e intensidad, su calidad artística como también las “profundidades” de su más reciente lanzamiento discográfico “Breathe”. Frente a este despliegue, la artista no solo estuvo a la altura del Teatro Colón sino que sobrepasó la expectativa de ser uno de los pocos Conciertos Extraordinarios pactados para este año.
Conversando con la estrella
Blueberry Música tuvo el placer de conversar con la sorprano Hyesang Park sobre el concierto y sobre la temática de su más reciente lanzamiento “Breathe”. En una breve conversación, pudimos ahondar un poco en el proceso detrás de la creación de este concierto, como también la temática de este disco tan singular.
El programa no sólo incluyó piezas de ópera conocidas sino también obras contemporáneas y estrenos de “Paula Modersohn-Becker” de Cecilia Livingston y “Gasiri” de Hyo-Won Woo. Dejando de lado las técnicas y exigencias vocales que sin duda marcan la diferencia, ¿cómo abordas el aprendizaje e interpretación de estas obras? ¿Le resulta difícil interpretar piezas contemporáneas debido al posible desconocimiento del público, o es tan exigente como interpretar un clásico como “Casta Diva”?
Acercarse a obras contemporáneas como «Paula Modersohn-Becker» de Cecilia Livingston y «Gasiri» de Hyo-Won Woo implica un proceso único de aprendizaje e interpretación. Si bien las técnicas y requisitos vocales ciertamente influyen, mi enfoque se centra en profundizar en la esencia y la intención detrás de cada pieza. Mi objetivo es conectar profundamente con la música y la letra al comprender la visión del compositor y la historia que pretende transmitir. Esto a menudo implica la colaboración con los propios compositores o el estudio de sus ideas sobre la obra. También exploro el contexto histórico y el significado cultural que rodean la pieza para informar mi interpretación. Al llevar al escenario obras menos conocidas, mi objetivo es presentar al público nuevos sonidos y narrativas, fomentando el aprecio por la diversidad y la innovación dentro de la música clásica.
Si bien interpretar un clásico como «Casta Diva» puede tener sus propias expectativas y exigencias, abordo cada pieza con el mismo nivel de dedicación. Para todas las piezas, mi objetivo sigue siendo el mismo: transmitir la profundidad emocional y la belleza de la música mientras atraigo y conecto con la audiencia.
Recientemente vimos la realización de su video musical para “While you live”. Es bastante innovador ver a un cantante de ópera profundizar en un ámbito cinematográfico más conceptual. ¿Fue un desafío entrar en este nuevo territorio, no sólo por el concepto único, como filmar bajo el agua, sino también porque es una interpretación moderna de lo que se espera de un cantante de ópera?
Para este vídeo musical, pasamos ocho horas filmando la sección de buceo y fue una experiencia tan intensa que no pude hablar ni caminar correctamente durante un tiempo. Con el tiempo, mis sentidos volvieron lentamente, pero fue algo asombroso estar bajo el agua y escuchar sólo mi respiración y nada más. Definitivamente fue un paso fuera de mi zona de confort, pero la transición a este nuevo territorio planteó oportunidades emocionantes y desafíos únicos. Filmar bajo el agua y explorar un ámbito más cinematográfico presentó obstáculos logísticos y técnicos que requirieron una planificación y ejecución cuidadosas. Sin embargo, la oportunidad de abrir nuevos caminos y ofrecer una nueva perspectiva sobre la interpretación de ópera fue estimulante; ¡Realmente lo disfrute!
¿La experiencia de grabar este vídeo musical despertó su interés en participar más en proyectos cinematográficos? ¿o fue una experiencia única e intrigante sin ningún deseo particular de repetirla?
La experiencia de grabar este video musical fue cautivadora y me abrió los ojos a las posibilidades de explorar el mundo de los proyectos cinematográficos. Si bien inicialmente fue concebido como una experiencia única para dar vida a una visión específica, el proceso me ha inspirado a profundizar en el mundo del cine. Elegí trabajar con Mama Hungara y Mariano Nante en esta película porque nos conocemos desde hace muchos años, cuando él era director de cine en Berlín. Cuando le compartí mi idea del vídeo musical de mis “sueños” para Breathe, inmediatamente se emocionó, quiso escuchar la música e intentar hacerlo posible. Tener ese objetivo compartido fue realmente maravilloso y él fue una fuerza impulsora para hacer realidad mi concepto. También espero colaborar con más narradores para dar vida a nuevas visiones en la pantalla.
Tu álbum encarna claramente un concepto bien sólido: hacer una pausa para reflexionar. ¿Podrías compartir la idea o pensamiento inicial que desencadenó la creación de este disco y su concepto?
La inspiración detrás del álbum fue la esperanza de que las personas que lo escuchen encuentren el coraje para vivir sus vidas con paz y fuerza a través de esta música. Este álbum surgió de la profunda creencia de que cada uno de nosotros tiene un mensaje o una perspectiva única que alguien necesita escuchar. Se trata de tener el coraje de compartir nuestra verdad con el mundo, sabiendo que nuestra voz importa. Todos tenemos una historia que contar y este álbum sirve como plataforma para que esas historias sean escuchadas. Es un llamado a la acción para romper el silencio, respirar y compartir con valentía lo que hay dentro de nosotros con el mundo.
Poco a poco estamos viendo a los cantantes de ópera aventurarse a crear discos más conceptuales, en lugar de limitarse a grabar repertorios específicos u óperas enteras. Según tu experiencia, ¿crees que esta tendencia muestra un lado más moderno e intrincado de la ópera y la música clásica? ¿O es una forma para que los artistas encuentren más libertad en el repertorio que eligen grabar y en cómo lo interpretan?
Los registros conceptuales brindan a los artistas mayor libertad para seleccionar su repertorio, seleccionar piezas que resuenan con sus experiencias personales y visión artística, e interpretarlas de una manera que se sienta auténtica y significativa. Esta autonomía creativa permite a los cantantes expresarse más plenamente, conectando con su audiencia a un nivel más profundo. Creo que esto dejará una impresión duradera más allá del escenario de la ópera. Si bien las grabaciones tradicionales de repertorio específico u óperas enteras siguen siendo valiosas, los discos conceptuales ofrecen a los artistas una plataforma para mostrar su creatividad, versatilidad e individualidad de una manera más moderna y personal.
Esta tendencia refleja el deseo de los artistas de experimentar con diversos estilos musicales y romper los límites de las grabaciones de ópera tradicionales. Al incorporar estos hilos temáticos y arreglos contemporáneos, los cantantes de ópera pueden dar nueva vida al repertorio familiar. Esta es una buena manera de atraer al público de formas nuevas e inesperadas.
En BlueberryMusica seguimos tu carrera desde tu debut en Buenos Aires en el CCK hace unos años. Ahora, mientras te preparas para un recital solista en el Teatro Colón, luego de tu debut en la producción de “La Flauta Mágica” el año pasado, ¿podrías compartir tu opinión sobre tu inmenso y merecido éxito en el mundo de la ópera? ¿Hay alguna lección que hayas aprendido a lo largo del camino y que puedas compartir?
¡Muchas gracias! Estoy profundamente agradecido por el éxito que he experimentado y ha sido un viaje increíble lleno de lecciones valiosas. A lo largo de este viaje, he llegado a valorar verdaderamente todo el proceso, desde los ensayos hasta las noches de estreno. Cada momento ha sido una tremenda experiencia de aprendizaje y ha enriquecido mi comprensión de esta forma de arte. Me siento muy afortunada de haber tenido la oportunidad de colaborar con personas tan increíbles a lo largo del camino.
Una de las lecciones más importantes que he aprendido es la importancia de la gratitud y la felicidad en todo lo que hago. Mantener una mentalidad positiva, incluso frente a los desafíos, y estar agradecido por cada oportunidad que se me presenta ha sido clave para mi éxito. Finalmente, aprendí a tener paciencia, porque a veces uno desea tanto las cosas que se apresura y comete errores. También es importante saber quién es usted y aportar sus propios talentos y perspectiva únicos a su oficio. Siempre debes valorarte a ti mismo y los aportes que solo tú puedes ofrecer.
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